Los ojos de Julia

Es de conocimiento popular el mito que dice que los hermanos gemelos o mellizos, pueden sentir cuando algo le pasa a su hermano. Se presenta en forma de angustia o sobresalto; una alerta que avisa que al otro le acaba de ocurrir algo. Si bien no esta cientificamente comprobado, son varias las personas que dicen haber sentido una sensación poco común cuando su hermano está en peligro.

Partiendo de esta premisa arranca Los ojos de Julia, una película española que se centra en la vida de ella luego de la muerte de su hermana gemela. En plena jornada laboral Julia se desvanece y al despertar sabe que algo le ha pasado a Sara; convencida de ello logra persuadir a su marido para que la lleve a ver a su hermana, este cumple con la tarea y al llegar al hogar de Sara la encuentran muerta; como si se hubiese suicidado. Julia, quien alega conocer bien a su hermana, esta convencida de que alguien la asesino y no va a parar hasta encontrar al culpable de su muerte. Ella emprende una investigación que comienza con una simple sospecha y termina desembocando en una gran verdad.

Sara y Julia, tenían algo en común más allá de su apariencia; ambas sufrían un tipo de ceguera progresiva que iba deteriorando lentamente su visión. Al momento de morir, Sara ya era completamente ciega, mientras que Julia solo había perdido un 20% de su vista. Esto no es un detalle menor, ya que según las fuentes policiales el suicidio es obra de la depresión que conlleva la ceguera.

Guillem Morales es el catalán que escribió y dirigió esta película, si bien es su segundo largometraje no parece para nada un inexperto. El suspenso esta muy bien logrado y, lo que llama la atención de una forma positiva son los planos sobre los sospechosos del crimen. Solo cerca del desenlace podemos conocer la cara, los gestos y la mirada de los implicados; con este gesto sencillo pone al espectador en un estado similar a la ceguera de la protagonista; sintiendo así la impotencia de querer ver más y no poder.

Waiting For Forever

Para sumarle un plus a los días nublados, nada acompaña mejor que una chick flick clásica de amor no correspondido. En esta oportunidad tuvo la chance de lucirse Wainting for Forever; una película que se estreno el pasado febrero en Estados Unidos y que en nuestro país no llegó a la pantalla grande.

Rachel Bilson, a quien no veía actuar desde su papel en la serie teen  The O.C, toma el rol de Emma, una joven actriz que vuelve a su pueblo natal debido a una enfermedad fulminante que tiene a su padre de mal en peor. Tom Sturridge, interpreta a Will, un muchacho malabarista que fue amigo durante la infancia de Emma, y se encuentra enamorada de ella desde siempre.

Después de años de no verse, Emma y Will se vuelven a encontrar, aunque no por las casualidades de la vida, sino todo lo contrario. Mientras avance la película nos daremos cuenta que Will tiene una obsesión entre patológica y bordeando la locura, por Emma; ella es su norte, su estrella polar, su brújula.

Pintado este panorama extraño, el film se desliza constantemente entre mostrarnos, una chica deprimida con un padre moribundo y un pibe que claramente no tiene los patitos en fila. Por momentos hay cabos que no se terminan de atar; y la relación entre los padres de Emma no queda del todo clara.

Con un Richard Jenkins desaprovechado, en un papel secundario donde no da todo de sí, y Rachel Bilson que no está con todas sus luces, siempre la misma cara, no es muy favorecida con sus expresiones; las actuaciones en esta película son un punto en contra. Sin embargo, el film logra emocionar a las mujeres apostando a nuestro lado cursi, romántico y meloso. Hombres abstenerse.

Whip It

El primer largometraje que dirige Drew Barrymore es una chick flick, una película para mujeres como lo es Novia Fugitiva, Mujer Bonita y Cuatro Bodas y Un Funeral, cualquier mujer que no haya visto al menos una de las anteriormente nombradas no puede considerarse digna. Un género que casi exclusivamente nosotras consumimos, mayormente centrado en una historia de amor o en la búsqueda de una mujer hacia la independencia y la felicidad.

En Whip It, la historia se centra en Bliss, una adolescente que vive con su familia en la pequeña localidad de Bodeen, Texas, y participa en concursos de belleza siguiendo los consejos de su madre y exclusivamente porque es lo que ella quiere. Un día de compras, Bliss descubre una nueva forma de vida con la cual se siente identificada, un deporte que le resulta mucho más interesante que aspirar a Miss USA; el roller derby. Chicas en rollers, una pista ovalada y muchos golpes.

La película es divertida, llevadera y para mujeres; es un buen debut de Barrymore como directora aunque lo mejor del film es el casting. Un elenco encabezado por la brillante Ellen Page -es raro verla en este tipo de films sobretodo recordando Hard Candy– y como coprotagonistas tenemos a Marcia Gay Harden como la madre de Bliss, a Drew Barrymore como compañera de equipo de roller derby y, la frutilla del postre, con Juliette Lewis como la enemiga intima de Bliss.

Para una noche con amigas, o para hacer un revival de la adolescencia pasada, vale la pena.

Zombieland

Zombieland es a las películas de zombies lo que Scott Pilgrim a las películas basadas en comics. Ambas cuentan con protagonistas adolescentes que pelean por su vida, ellos tienen una chica deseada que es inaccesible y, a nivel estético, tienen efectos gráficos del mismo estilo, sobreimpresiones y escenas ralentizadas. Además salen del esquema preestablecido para sus respectivos géneros.

En un estado crítico universal, el mundo es tomado por zombis y los seres humanos no infectados son la minoría. El primer personaje que conocemos es Columbus (Jesse Eisenberg), el clásico antihéroe, quien nos presenta una serie de reglas de supervivencia, por si alguna vez a nosotros también nos toca enfrentar zombies; luego aparece de casualidad y con aire desenfadado Tallahassee (Woody Harrelson) y por último, como no podía faltar y para sacarnos del machismo en el que solo los hombres matan muertos vivos, llegan Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin). Entre los cuatro lucharan por sobrevivir y llegar, cada uno, a su supuesto lugar sin zombies, su refugio.

La película no es de terror, sino que se ubica mejor dentro de la comedia y se perfila como película de culto dentro de los próximos 10 años. Ya desde un primer momento se define como cómica y no sale de ese lugar, en gran parte se lo debemos a Woody Harrelson, quien se roba el protagonismo y es sin duda, el mejor actor que se podría haber elegido; es corajudo y enfrenta sin problemas a los malos, tiene un solo fin y aunque suene surrealista, todo lo hace por comerse un Twinkie.

El director del film, Ruben Fleischer, debuta en la pantalla grande con esta película, y hace un trabajo más que correcto. El guion es, junto con los actores, el gran acierto del film; diálogos concretos, gags eficaces y sobre todo la inclusión de Bill Murray es sin duda la cereza del postre. Si les gustan los zombies es sin duda, imperdible.

La cena de los idiotas

Uno cree que al juntar a Jay Roach (el director de la trilogía Austin Powers y de las dosprimeras entregas de La familia de mi novia) con Steve Carell, Paul Rudd y Zach Galifianakis enuna remake de la película francesa The Dinner Game, alcanza y sobra para realizar un film quesupere al original, o que al menos nos haga doler la panza de la risa, pero no.

La película se centra en un grupo de compañeros de trabajo de puestos jerárquicos que,semanalmente, organizan una cena en la que cada uno debe llevar un “tonto” para que todosse rían de él; el ganador, es decir el más idiota, se lleva un trofeo. A ese juego es invitado Tim(Paul Rudd) que aspira a obtener un mejor puesto en la compañía, y decide llevar a Barry(Steve Carell) un hombre a quien conoció atropellándolo el día anterior. Barry es taxidermistay su “tontera” es embalsamar ratones y luego hacer maquetas con ellos; más allá de eseparticular don, Barry tiene la peculiaridad de destrozar todo lo que quiere arreglar, si bien se esfuerza porque las cosas salgan bien, el no hace más que empeorarlas.

El film es insostenible por varias razones, en primer lugar era innecesario realizar una remakede una película que nos muestra lo mejor de la comedia francesa, una comedia divertida y elegante sin caer en la vulgaridad, que es justamente lo contrario a lo que pasa en la versión americana. Por otro lado, el guion es pobre, los gags son poco divertidos y poco originales;la película cuenta con los mejores actores de la comedia americana del momento y no losexplota ni en una decima parte. Es aburrida y por sobretodo larga, dura alrededor de dos horas en las que el espectador a duras penas se puede reír. Chistes básicos, clichés y poco lucimiento actoral; además de caer en todas las obviedades que hasta un espectador no cinéfilo puede advertir. Ya sabemos porque no se estreno en los cines de nuestro país.

Be kind rewind

El polifacético director francés Michel Gondry, conocido por Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, realizo en el 2008 una comedia dramática que tenía como protagonistas a Jack Black y Mos Def, además contaba con la presencia de grandes actores como Danny Glover, Mía Farrow y Sigourney Weaver; asi y todo la película no logro el éxito que se suponía. ¿Por qué?

La historia de Be kind Rewind se centra en la época en que surge a nivel masivo el DVD, la gente deja el soporte anterior, el antiguo y malgastado VHS, para pasarse a una nueva tecnología que venía arrasando con todo lo anteriormente inventado. El Sr. Fletcher (Danny Glover) es propietario de un videoclub de cintas VHS en Passaic, New Jersey y tiene como empleado a Mike (Mos Def) cuyo mejor amigo es Jerry (Jack Black), un hombre que va y viene entre la locura y la racionalidad. Jerry pasa casi todo el día en el videoclub, aunque siempre con la presencia vigilante de Fletcher; parece que Jerry tiene una gran facilidad para romper cosas.

Un día como cualquiera Fletcher decide hacer un viaje y dejar a cargo a Mike, pero con la condición de que por nada del mundo deje entrar al videoclub a Jerry, la cuestión es que Mike no hace caso y cuando Jerry entra todas las cintas se borran. Los muchachos tienen que solucionar esto antes de que regrese Fletcher, y la idea que surge es volver a realizar estas películas pero en versiones caseras, lo que ellos denominan “películas suecadas”; así podemos ver las remakes de Los Cazafantasmas, Rush Hour 3 y Robocop entre otras.

Esa es la trama inicial de la película, si bien la idea central es original, llevadera y por sobretodo, una realidad, los actores no fueron explotados tanto como hubiera sido posible, el film da para muchísimas situaciones cómicas hilarantes, pero el guion es flojo, débil, no cumple las expectativas de la idea.

Como ya dije anteriormente, la película no fue el éxito de taquilla esperado, sin embargo, las películas “suecadas” son todo un éxito en la web. El público tuvo una gran aceptación de la idea y basta con poner en YouTube “Sweded movies” para que surja un sinfín de remakes caseras, incluido el tráiler de Be kind rewind suecada por Michel Gondry, el mismísimo director.

Una idea original que vale la pena ver sin salir de casa.

REC

La pobre Ángela entrando en pánico

En los últimos cinco años el cine de terror español logró un crecimiento sostenido, primero de la mano de Alex de la Iglesia con La habitación del niño, luego con el estreno casi en simultaneo de El Orfanato de Juan Antonio Bayona y de REC de Jaime Balagueró; hoy vamos a hacer énfasis en esta última, y tratar de averiguar que la hizo lo suficientemente interesante como para que los grandes estudios hollywoodenses se interesaran en realizar una remake.

REC es la historia de Ángela, una conductora catalana de medio pelo que lleva adelante un programa nocturno de Barcelona, donde muestra lo que ocurre mientras el espectador duerme. En esta edición, ella decide ir a un cuartel de bomberos donde pasará la noche, y en caso de haber alguna emergencia, ella acudirá acompañándolos.

Pasan varias horas hasta que finalmente la alarma suena, y tanto ella como su camarógrafo (Pablo)  suben corriendo al camión de bomberos, donde emprenden viaje hasta un edificio. Una vez allí dentro, se encuentran con la policía, y averiguan el motivo de la llamada, esta se debió a gritos que salían del departamento de una mujer mayor.

La particularidad de esta película reside en varias cosas, una es la subjetividad de cámara, constantemente estamos poniéndonos en la piel de Ángela y Pablo, sabemos que el lleva la cámara y que en la mayoría de los momentos la dirige hacia la conductora; otro tema importante, que va de la mano con lo anterior, es la cámara en mano, esto nos da ese efecto perturbador que es el aura de la película, el temblar de la cámara, el correr junto con los protagonistas, son puntos claves para poder establecer una relación de identificación con los personajes; es importante considerar que esa relación se cumple sin siquiera verle la cara a Pablo.

La historia de REC por momentos lleva similitudes con Cloverfield, cabe aclarar que la película española es anterior a la yankee, la cámara en mano, un protagonista que casi no vemos, el edificio; todos puntos en común con las dos películas. Pero en el film de Balagueró los monstruos son otros,  dejan de manifestarse en forma de una entidad desconocida para pasar a ser víctimas de una infección, de un virus, presos de un edificio vedado que no pueden abandonar.

Si bien el comienzo es clásico, el desarrollo de la película limita con lo cómico y lo bizarro, y el desenlace es sin duda una lección de cómo generar pánico en los espectadores, sin necesidad de recurrir a millones de dólares.

Julie & Julia

Julia Child y Julie Powell

Cuando uno habla de Nora Ephron lo primero que viene a la mente es cursi, romántico, estereotipado. Pero no hay que olvidar que Ephron fue la mujer que terminó de coronar a Meg Ryan en la pantalla grande, escribiendo una de las mejores comedias románticas que vio la luz en suelo norteamericano, ”Cuando Harry conoció a Sally” como olvidar a Ryan en la mejor escena del film, fingiendo un orgasmo en un restaurante con el pobre Billy Crystal totalmente perplejo. La dueñade este show fue Ephron, quien también coprodujo la película.

Ni hablar de cómo instauró en el cine la ahora clásica formula Hanks + Ryan, los vimos trabajar juntos en “Sintonía de amor” y 5 años después en “Tienes un e-mail”. Ephron se adapta a las circunstancias tecnológicas que la rodean, para la primera de las dos películas nombradas los protagonistas se conocen por un programa de radio y su relación avanza por carta; mientras que, irónicamente, para la segunda película se conocen por e-mail. Podríamos hablar casi de una continuación de su primera película juntos.

Ephron nos decepcionó con “Hechizada”, fue casi una catástrofe de la mano de Nicole Kidman y Will Ferrell, quiso recrear la clásica serie de los años ’60 y terminó decepcionando a sus fanáticos. Podemos decir que con esta nueva película Ephron se vuelve a posicionar entre las mujeres que dirigen para mujeres.

La película, basada en una historia real, nos cuenta en paralelo dos historias. Por un lado conocemos a nuestra contemporánea Julie Powell, una joven escritora frustrada que trabaja en un call center donde atiende a las victimas del 9/11. Y por el otro nos presenta a la ya fallecida Julia Child en los años ’50, viviendo en Francia con su esposo, un diplomático americano que fue trasladado a dicho país.

Julie y Julia tienen una cosa en común, la pasión por cocinar. Dos mujeres con una distancia de 50 años en el tiempo que comparten lo mismo. Child sin saber que hacer en Francia, empieza un curso de cocina francesa que luego se convertirá en un libro y que 50 años más tarde Powell sacará de su cocina para empezar a usar. Julie toma como inspiración a Julia para empezar un blog de 365 días donde cocinara las 524 recetas del libro de Julia Child sobre cocina francesa para americanas.

Lo deslumbrante de esta película es sin duda Meryl Streep, la interpretación que logró de Julia Child es directamente perturbadora, no solo físicamente logra ser una copia fiel de la cocinera, sino que imposta la voz con una calidad que sorprende, para los que vieron alguna vez un video de Child, cuando conozcan la interpretación de Streep no van a poder creer que existe algo así. También tenemos a Amy Adams tomando el rol de Julie Powell, mucho más ligero pero no por eso menos fidedigno.

La película deja ese gusto dulce que uno aun sigue buscando encontrar en las comedias románticas, sin ser cursi, sin clichés ni estereotipos logra superar todas las comedias de Ephron.

Celda 211

Malamadre y Olivar en plena faena

Dentro del género policial, podríamos hablar de un subgénero de películas con temática carcelaria, entre las fieles candidatas encontraríamos a “Fuga de Alcatraz”, “En el nombre del padre”, “Con Air”, “Das Experiment” y varias más. Una de las últimos films que se hizo con esta temática fue la española “Celda 211”.

El film fue un éxito de recaudación en su país de origen y se llevo los principales galardones de los Premios Goya, incluyendo mejor actor (Luis Tosar), mejor director (Daniel Monzón) y mejor película, asombrando a quienes esperaban el reconocimiento para Alejandro Amenabar y su ultima obra “Agora”.

La película del año 2009, filmada en Galicia, nos cuenta la historia de un funcionario (guardia cárceles) que por error en su primer día de trabajo queda atrapado en un motín en el sector donde están alojados los presos más peligrosos de España.

Juan Olivar (Alberto Ammann) es un hombre casado y espera un bebe para dentro de pocos meses, tiene la mala idea de ir a conocer su trabajo nuevo un día antes de su incorporación formal, apenas inicia la película, vemos al pobre hombre quedar por error dentro de la Celda 211. Desde ese momento, Juan, no tiene mejor posibilidad que tomar el papel de preso novato dentro de la cárcel, siendo esta la única opción que encuentra para hacer de su estadía de tiempo indeterminado, algo parcialmente seguro.

Una vez establecido como preso, logra una relación de camaradería con Malamadre (Luis Tosar) el hombre que lleva adelante el motín, la cabecilla de la cárcel y quien inicia la situación. Tosar hace un trabajo increíble y logra construir un personaje que realmente produce desde bronca hasta compasión es, sin duda, el hombre que lleva adelante la película.

El director del film, Daniel Monzón, si bien con poca experiencia en la dirección de películas, logra llevar al espectador a un punto de no retorno, donde uno duda que haría ante determinadas situaciones, y en cierto momento, quiebra la integridad del personaje principal colocándonos en ese mismo lugar y ante la misma dicotomía.

I love you, man

Hace alrededor de un año leí una nota en “El amante” sobre el actor norteamericano Paul Rudd, el eterno personaje secundario, hablaba de  porque siendo un actor talentoso, nunca podía salir de ese lugar, de ese encasillamiento. Ayer decidí ver “I love you, man” una película en la que el ex novio de Phoebe en Friends toma el protagonismo.

John Hamburg es el director, y uno de los escritores, de esta película. Había trabajado en comedia unos años atrás dirigiendo a Ben Stiller en “Mi novia Polly”. En este último film nos relata la historia de Peter Klaven (Paul Rudd), un arquitecto que se dedica a vender bienes raíces en Hollywood y que está en pareja con Zooey Rice (Rashida Jones). Al inicio del film vemos como Peter le propone casamiento a Zooey, quien obviamente, acepta, he aquí el inicio del conflicto del cual trata la película.

Si bien Peter es un hombre muy simpático y cordial, solo tiene relación con las mujeres, es decir, no tiene amigos hombres, de ahí que tanto su futura mujer como sus amigas empiecen a preguntarse, ¿Quién va a ser el padrino de la boda?. Cuando Peter se da cuenta de que esta bastante complicado en ese aspecto, decide comenzar una carrera contrarreloj en la búsqueda de amistades masculinas, desde los amigos de su hermano hasta gente que conoce por internet, desde viejos hasta gays, todos los estereotipos de hombres que hay, el bueno de Peter los tuvo que enfrentar con tal de llevar a un hombre a su casamiento.

Paul Rudd se luce como protagonista y nos demuestra que no es un hombre solo de papeles secundarios, además, si bien es un actor de comedia, puede hacer llevar con la misma facilidad los momentos dramáticos del film. La película cuenta con un buen trabajo de guión, por lo que resulta muy graciosa y llevadera.

“Te quiero, tío” así debería haberse llamado la película de estrenarse en nuestro país, pero lamentablemente, paso directo al DVD. Digo lamentablemente porque es una película cómica digna de ver y disfrutar.

Para verla online o descargarla, dejo el link de Cuevana y el trailer aqui abajo