Las mejores cinco de David Cronenberg

David Cronenberg, junto a James Cameron y Michael Fox, es uno de los pocos talentos de la pantalla grande que nos brindó Canadá, un país en el que la industria del cine siempre funcionó, como la sombra de Hollywood.

Nacido en Toronto en la década del ´40, siempre desarrolló una marcada vocación por el arte que ya venía en la sangre; es hijo de un periodista y una pianista. Si bien en un primer momento se inclino por las letras,  y hasta se recibió en Literatura en la Universidad de Toronto, con el tiempo descubrió que lo suyo era el cine. Empezó con un pequeño corto llamado Transfer que él mismo denomino como surrealista; este trabajo ya nos marcaba la pauta de como Cronenberg iba a desarrollar su carrera.

Aquí les presento lo que yo consideró sus mejores películas, las que cualquier cinéfilo debería conocer para poder decidir si amarlo u odiarlo.

• Scanners: Comienzos de los ’80, un conjunto de hombres denominados scanners, logran dominar los sentimientos de otras personas con su propia mente; por momentos hasta un nivel que puede matar al otro. Cameron Vale se junta con otros con su mismo poder para detener a un hombre que los esta cazando por su extraña habilidad. Sangre, cerebros que explotan y conspiraciones. Una marca registrada en la estética del director.  
• Videodrome: Corre el año 1983 y un directivo de un canal de soft porn decide buscar nueva programación; sin querer se topa con Videodrome, una señal que trasmite videos snuff. Se adentra demasiado en el tema y termina en el medio de una conspiración que tiene como protagonista a los medios de comunicación. Una obra casi futurista en la que los medios de comunicación masiva dominan el mundo. Actuaciones completamente eróticas gracias a Deborah Harry (Blondie), y un James Woods completamente transformado dándole vida a la nueva carne. 
• La Mosca: Probablemente una de las películas mas famosas de la primera etapa de Cronenberg. Un científico que inventa la teletransportación, se fusiona por error con una mosca cuando decide probar el experimento sobre el mismo. De ahí en adelante vemos toda la mutación de hombre a mosca; acompañado por una bella y joven Geena Davis, que se niega a aceptar la realidad. Película clave de la filmografía del canadiense, luego se realizaron secuelas por otros directores que no valen la pena ser vistas. 
• El almuerzo desnudo: Si bien no es una de mis preferidas, no por eso es menos respetable. Una obra completamente surrealista en la que Cronenberg desarrolla todo su costado de literato. Basada en la novela de Burroughs que lleva el mismo nombre, la película se centra en un exterminador que se vuelve adicto al polvo con el que mata a los insectos y termina formando parte de una conspiración secreta del gobierno. Completamente surrealista, un hombre que habla con su maquina de escribir la cual se excita como si fuera una mujer cuando uno teclea. Vale la pena verla, por su estética y su historia. 
• Una historia violenta: Muchos dirán que aquí es el punto en el que Cronenberg dejo el cine indie y paso a ser Hollywoodense; pero no. La misma estética, la historia de la mutación, la transformación del protagonista sigue siendo su marca registrada. En este caso retrata la historia de Tom Stall, un pueblerino propietario de un bar que lleva una vida tranquila, hasta que después de un robo y una reacción desmedida de su parte, los fantasmas del pasado lo acechan; con una gran posibilidad de arrebatar su futuro. Sin duda una de sus mejores películas, con un comienzo que quita el aliento gracias a un plano secuencia de más de 10 minutos.  

Lo que viene: Esta en post-producción A Dangerous Method, una historia sobre Freud, Jung y el nacimiento del psicoanálisis; con su actor fetiche Viggo Mortensen y la bella Keira Knightley, seguramente en este país la veamos a fines de este año. También esta trabajando en Cosmopolis, aunque recién se encuentra en pre-producción, esta basada en la novela de Don DeLillo y aparentemente estarán actuando Robert Pattinson, Paul Giamatti y Marion Cotillard; seguramente estrene a mediados del 2012.

Fun Facts: Antes de dedicarse a la literatura, David Cronenberg estudió en la faculta de Ciencias, de ahí surge su fanatismo por la combinación entre tecnología y cuerpo humano. Le fascina la dicotomía que se genera entre cuerpo y mente al crear un cambio físico que se comprende por fuera de la idea de realidad.

El inmortal

Jean Reno en plena acción

Ya pasaron más de 15 años desde que Jean Reno se convirtió en asesino a sueldo de la mano de Luc Besson, en la película en que descubríamos a una Natalie Portman minúscula y que ya pedía pista en la pantalla grande. Esta semana, de la mano de Richard Berry lo vemos venir de nuevo, arma en mano, aunque cambió la planta por una familia.

El actor marroquí interpreta en esta ocasión a Charly Mattei, un mafioso retirado hace ya varios años que con el fin de poder dedicarse a su familia le vende todo a un amigo suyo, también mafioso. La película centra la historia en Marsella, y ya desde los inicios, el film nos muestra a un mafioso con más reminiscencias a la familia Corleone que al glamour de la costa azul.

Charly Mattei lleva a su hijo menor a pasear, va a un estacionamiento subterráneo a dejar el auto y apenas se baja, ocho hombres encapuchados le disparan de forma automática. Luego sabremos que fueron 22 balas las que impactaron en su cuerpo y que, sorpresivamente, ninguna fue mortal. Ese es el inicio del film y de ahí en adelante, vemos a Mattei volver a lo que en su momento fue, un asesino, solo que esta vez con un fin muy concreto y real, proteger a su familia. Listo el panorama inicial, el protagonista comienza una vendetta a capa y espada contra el individuo que quiso asesinarlo y literalmente, no deja títere con cabeza.

Jean Reno le pone el cuerpo y el alma a este personaje que realmente existió, de una manera que solo él podría hacerlo. La película se basa en una historia real, y cuenta lo que le paso a Jacques Imbert en los años ’70, quien ha confesado sentirse más dolido por la traición que por las balas en sí.

Con momentos de extrema tensión, el actor y director Richard Berry, realiza un viaje a la etapa más triste y solitaria de la vida de un hombre, al momento en que decide tomar la decisión terminal de buscar venganza y nos muestra cómo lleva a cabo su casería; con balas, sangre y Jean Reno uno se asegura una película exitosa y en este caso particular, una buena película.

Solomon Kane

La película esta basada en el mítico personaje elaborado por el escritor americano, Robert Howard, quien también creo a “Conan El bárbaro” allá por la década del ’30.  Dicho escritor fue uno de los creadores del subgénero “espada y brujería”, ya sabiendo esto de antemano uno sabe a que se expone.

No debe haber muchas cosas peores para un personaje que ser asociado automáticamente con otro personaje. Eso le pasa el pobre Solomon Kane quién a primera vista trae reminiscencias totales al querido Hugh Jackman en “Van Helsing”, con sombrero y pelos largos va por la Edad Media matando gentes y demonios.

La historia nos cuenta que Solomon Kane era un gran guerrero ingles que no tenia ni el menor escrúpulo en ir asesinando a sus enemigos y a cualquiera que se interpusiera en su camino, al ser individuo tan desinteresado por la vida humana y ya haberse cargado tantas muertes en sus espaldas, un día el Diablo envía un mensajero a decirle que su alma no le corresponde mas, se desquicio con tanta gente que ahora su alma paso a ser propiedad del Diablo.

El pobre Sr. Kane, logra escapar y promete nunca más matar a nadie con el mero fin de conservar su alma. En uno de esos momentos zen de Solomon el resulta golpeado hasta el hartazgo y ahí es donde aparece una modesta familia a salvarlo; familia que luego es atacada por el malo de la película y he aquí donde Kane se debate que hacer y se origina el conflicto del film.

La película que dirigió Michael Basset, quien estrenará el año próximo “Silent Hill 3D”, fue interpretada por el actor ingles James Purefoy quien tomo sin inconvenientes el papel de Kane, inclusive asumiendo riesgos al interpretar las escenas más complicadas sin problema de salir herido. Purefoy logra un héroe de gran clase que resuelve con facilidad (quizás demasiada) el conflicto de su ser o no ser espiritual; físicamente consigue un gran parecido al personaje que idea Howard, ya que parece haberse pasado un año entrenando.

Es un film divertido sobretodo si gustan de películas de época y peleas, el argumento es solido y esta bien sostenido durante todo el film, que para cerrar nos da un final con vuelta de tuerca.

Celda 211

Malamadre y Olivar en plena faena

Dentro del género policial, podríamos hablar de un subgénero de películas con temática carcelaria, entre las fieles candidatas encontraríamos a “Fuga de Alcatraz”, “En el nombre del padre”, “Con Air”, “Das Experiment” y varias más. Una de las últimos films que se hizo con esta temática fue la española “Celda 211”.

El film fue un éxito de recaudación en su país de origen y se llevo los principales galardones de los Premios Goya, incluyendo mejor actor (Luis Tosar), mejor director (Daniel Monzón) y mejor película, asombrando a quienes esperaban el reconocimiento para Alejandro Amenabar y su ultima obra “Agora”.

La película del año 2009, filmada en Galicia, nos cuenta la historia de un funcionario (guardia cárceles) que por error en su primer día de trabajo queda atrapado en un motín en el sector donde están alojados los presos más peligrosos de España.

Juan Olivar (Alberto Ammann) es un hombre casado y espera un bebe para dentro de pocos meses, tiene la mala idea de ir a conocer su trabajo nuevo un día antes de su incorporación formal, apenas inicia la película, vemos al pobre hombre quedar por error dentro de la Celda 211. Desde ese momento, Juan, no tiene mejor posibilidad que tomar el papel de preso novato dentro de la cárcel, siendo esta la única opción que encuentra para hacer de su estadía de tiempo indeterminado, algo parcialmente seguro.

Una vez establecido como preso, logra una relación de camaradería con Malamadre (Luis Tosar) el hombre que lleva adelante el motín, la cabecilla de la cárcel y quien inicia la situación. Tosar hace un trabajo increíble y logra construir un personaje que realmente produce desde bronca hasta compasión es, sin duda, el hombre que lleva adelante la película.

El director del film, Daniel Monzón, si bien con poca experiencia en la dirección de películas, logra llevar al espectador a un punto de no retorno, donde uno duda que haría ante determinadas situaciones, y en cierto momento, quiebra la integridad del personaje principal colocándonos en ese mismo lugar y ante la misma dicotomía.

Scott Pilgrim vs. el Mundo

Lo primero que recomiendo a los posibles espectadores de esta película es que antes de verla, se introduzcan en el mundo de Scott Pilgrim. Para ponerlos un poco en tema les aclaro lo básico, así no les pasa como a mí, que tuve que investigar después de ver el film.

Scott Pilgrim vs. El mundo es en realidad un comic del historietista canadiense Bryan Lee O’Malley que se desarrolla en seis tomos, el autor todo el tiempo hace alegatos al mundo “geek” (en castellano: nerd / cerebrito), para que lo tengan más claro, tiene un leve parecido a “The Big Bang Theory”. En fin, el comic se lanzó en el 2004 y creció sin cesar hasta el tomo final de este año. Al ser una de las sagas más vendidas de la última década era inminente su transposición al cine. Ahora que ya saben lo que hay que saber, paso a la crítica de la película.

El ya nombrado Scott Pilgrim (Michael Cera) es un bajista de una banda de rock llamada “Sex Bob-Omb” que formó con dos amigos más cuando estaba en la preparatoria, esta de novio con una china de 17 años, tiene una vida estable, normal para un chico de 23 años con una banda de rock que vive en la aburrida Toronto. El problema comienza cuando conoce a Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead) una newyorkina que se muda a su ciudad para empezar de nuevo.

La trama de la película se centra en la relación de Scott con Ramona, mejor dicho en lo que tiene que hacer él si de verdad quiere algo con Ramona. Pelear a muerte con sus siete ex novios siniestros.

El film se podría establecer como una comedia romántica, aunque con varios momentos de acción y sin caer en clichés preestablecidos. Es un collage de videojuegos, cultura geek y comic, por periodos vemos las letras sobreimpresas en la pantalla con los mismos efectos que cuando veíamos Batman en la tele de chicos y en cambio, cuando el protagonista decide pelear el director nos lo plantea de la misma manera que lo vemos en un videojuego. Es evidente que el creador del comic estuvo metido en el screeenplay.

En lo que se refiere a estética la película es sumamente rica, los efectos visuales son divertidos y por momentos recuerda a la querida “Juno”. Si bien el film tuvo mucho éxito en los Estados Unidos, dudo que aquí tenga el mismo recibimiento, es claramente una película para otro tipo de cultura. Vale la pena verla, pero desde casa.

Dejo aca el trailer:

RED

De la mano de Bruce Willis y Morgan Freeman nos llega la primera versión en cine del comic original de DC.

La última película que se estreno basada en un comic y está actualmente en cartel, lleva el nombre de RED -retirado extremadamente peligroso-  ya a los quince minutos del inicio del film podemos entender el porque del  apocope .

El film, es una transposición del comic de DC creado por Warren Ellis y Cully Hammer, arriba a la pantalla grande de la mano del director alemán Robert Schwentke, quien cambio abruptamente de género en relación a su anterior obra (Te amaré por siempre) y nos demuestra una vez más la gran capacidad de adaptación con la que cuenta.  En esta última película tiene la posibilidad de dirigir a un elenco impecable: Bruce Willis, Morgan Freeman, Joe Malkovich, Helen Mirren y Mary Louise Parker.

En “RED” los guionistas Jon Hoeber  y Erich Hoeber nos cuentan la historia de un grupo de agentes retirados de la CIA que son buscados por la misma agencia para ser eliminados. El motivo? Saben demasiados secretos que, bajo ningún concepto, pueden salir a la luz.

Al empezar el film conocemos al solitario Frank (Bruce Willis) quien lleva una vida rutinaria, cuya única emoción consiste en hablar por teléfono con Sarah (Mary- Louise Parker), una operadora del Servicio de Pensiones.

Una noche como cualquier otra, decenas de hombres armados se dirigen a su casa a matarlo sin ninguna razón evidente; Frank, logra evadirlos y termina matando a todos consiguiendo huir.

Con esa escena se desencadena la trama de la película, luego Frank recurre a sus viejos compañeros de equipo para terminar con los que están tratando de matarlos; todo esto con la pobre Sarah a cuestas, ya que cuando descubrieron su relación con Frank deciden ir a por ella.

El film constantemente nos lleva de la acción a la comedia y luego al romance, tiene al espectador agarrado a la butaca los 111 minutos que dura. Es constantemente entretenida y atrapante, uno nunca sabe que van a hacer los personajes o que dialogo incoherente van a entablar.

“RED” es sin duda, una de las mejores comedias del año, todo el tiempo acida e irónica, sin dejar de lado la acción. Recreando actores en situaciones inimaginables, o alguna vez alguien imagino a Helen Mirren,  quien anteriormente había interpretado a la Reina Elizabeth II,  con ametralladora en mano diciendo que le encanta matar gente?

Agente Salt

El director de El coleccionista de  huesos, nos trae una película de acción con algo de suspenso, también protagonizada por Angelina Jolie pero sin una historia atrapante y por sobre todo sustentable.

El film comienza haciendo un breve recuento de los últimos dos años en la vida de una agente encubierta de la CIA, luego de eso nos ubica en la actualidad, donde conocemos a Evelyn Salt (Angelina Jolie), una rubia voluptuosa que se desarrolla profesionalmente en una petrolera, o al menos eso creemos. Un día como cualquier otro la Sra. Salt interroga a un desertor ruso, que después de varias idas y vueltas, la acusa a ella de ser una agente rusa encubierta con una misión muy particular: asesinar al presidente de Rusia.

De ahí en adelante la película es una cadena confusa de escapatorias irreales, diálogos escasos y movimientos tan veloces que uno en más de una oportunidad no sabe que es lo que está mirando. Vemos a Jolie hacer todo lo posible para que la acción no termine, saltar autos desde autopistas, elaborar armas con una mesa y productos de limpieza y demás ocurrencias que el escritor pudo tener.

La película fue demasiado comparada con la saga de Bourne (Identidad desconocida, La supremacía de Bourne y Bourne: el ultimátum) desde antes de su estreno, si bien tanto Salt como Bourne son dos agentes de distintas centrales de inteligencia que buscan venganza, los films no tienen nada más en común. Cuando vemos a Jason Bourne desde un principio entendemos su ira, sus enojos, nos identificamos con él, es un personaje mucho más elaborado y complejo y, quizás por ser hombre, es más creíble su papel de asesino letal. Pero ver a Evelyn Salt evadir con total impunidad a más de cientos de agentes de la CIA, el FBI y demás fuerzas estatales es irreal.

El film es entretenido en ciertos momentos y el espectador constantemente se siente intrigado por las acciones de Salt, por descubrir su verdadera identidad. Al finalizar la película uno tiene más dudas que certezas, lo que de pie seguramente a una segunda parte.